Y ahí va otra. Esta vez los nombres son John Dillinger (Johnny Depp) y Melvin Purvis (Christian Bale). Ladrón y policía enfrentados por sus ideales disfrazados de profesión. Por un lado el Robin Hood de los años treinta, en un momento de depresión económica en el que todo lo que fuese robar al Estado (con las técnicas que fuera) y no al ciudadano de a pie, estaba bien. Ladrón sin escrúpulos, buscando la empatía ciudadana (y en este caso también con el espectador), se nos muestra como un apuesto e inteligente caballero, capaz de hacer suspirar a más de una, pero fiel a sus principios y a su mujer, que sólo hace daño cuando atacan su moral. Por otro lado Purvis, como el amanecer de un nuevo cuerpo policial, dispuesto a hacer que el capitalismo se quede tal y como está.

Todo esto ya suena, aunque Michael Mann lo haya aderezado con una filmación digital y con un intento de mayor realismo cámara en mano. Aún así de la realización no hay nada que reprochar, todo lo contrario, perderse en la limpieza de las imágenes y en la cantidad de detalles resulta muy gratificante en los momentos en los que la historia por sí misma está un poco desinflada. Y lamentablemente la historia se pasa la mitad de la película desinflada, para coger más ritmo en la parte final.

Afortunadamente ahí está el señor Depp para mostrar todo su talento una vez más. Él solito hubiera podido montar este biopic sin necesidad de nadie más, porque a través de su mirada, sus gestos y su pose, podemos al menos intuir, cómo dicen que fue aquel personaje dual. No se puede decir lo mismo de su alter ego, Bale, que, como tiene acostumbrado al público, muestra una vez más una cara larga de tipo duro y aséptico, aunque en esta ocasión eso viene bien para reflejar el espíritu de la siempre supuesta “ley”. El espectador es privado de presenciar un duelo entre el bien y el mal, pero a cambio asiste a una especie de feria de las vanidades, eso sí, a distintos niveles interpretativos. Como cierre para el triángulo, Marion Cotillard, como la amante y sumisa novia de Depp, que se lleva los planos más largos, y cuya interpretación resulta simplemente correcta. El resto del reparto cumple y le da el pie a Depp para que siga caminando a sus anchas por el filme.

En definitiva, un biopic gangsteril más, cuya única novedad dentro del género reside en la realización, sostenido en una gran parte por la actuación de Depp. No quedará en la memoria como Los intocables (a la que, por cierto, hace un pequeño homenaje) o Heat, pero de algún modo ha aliviado la sequía de la taquilla veraniega.

Desde el minuto uno, con el discurso que se marca Ullóa sobre la moral, los tópicos empiezan a chorrear a una velocidad vertiginosa. Tomando como referencia esa moral, todos los personajes intentan justificar sus actos como algo a lo que están abocados irremediablemente en contra de su naturaleza. El filme comienza a enganchar algo más hacia la mitad, cuando la trama se complica un poco más, aunque lo único que uno se pregunta es si el director escogerá el camino A o el B para dar la puntada final a la cinta.

En cuanto a las interpretaciones, carecen de carisma y expresividad, tal vez algo poco sorprendente en el caso de Ullóa o Natalie Poza (en el papel de su mujer), pero más chocante en el caso de Gutiérrez Caba. Durante toda la película da la sensación de que desean terminar con lo que están haciendo.

La parte positiva de la cinta reside en la realización, muy cercana al cine negro americano, recordando también en ocasiones a las comedias y los dramas de Woody Allen. La utilización de texturas grises y el poco movimiento de la cámara ayudan a situar al espectador en un ambiente reflexivo y algo desconcertante, y se busca centrar la acción en el contenido y no la forma. El problema es que Martínez Moreno tiene en la manga varios ases que no termina de colocar bien en la narración.

A pesar de todo esta película supone una muestra de talento en nuestro cine, al menos en lo que se refiere a la parte técnica, y un atisbo de intención de ir hacia guiones más elaborados, cosa que se agradece en medio de tanto producto cinematográfico post éxito televisivo estacional. Buen intento pero con el gusto de una comida sin sal.

Un veterano de la guerra de Corea que, pasados los años, en plena jubilación y tras la muerte de su mujer, se ve obligado a enfrentarse a sus prejuicios, ya que vive rodeado de coreanos, a quienes odia. Ese, en resumidas cuentas, es el argumento de Gran Torino, la última película de Clint Eastwood.
Esta cinta presenta todo un escaparate de redenciones, buenas acciones y lecciones de vida que ya vienen demasiado trilladas. Pero la diferencia con otras es que la dirige y protagoniza Eastwood, lo cuál, para el que sea fiel seguidor, es una garantía de éxito.

Y para el que no lo sea, debe reconocer que, dentro de esta temática, Eastowood presenta, conduce y concluye la historia mejor que muchos otros. Su particular humor está presente a lo largo de toda la cinta y mira al espectador como sólo él sabe hacer.
La simpleza de la historia hace contrapeso con la complejidad interior que tiene el personaje principal. No pasa lo mismo con los secundarios, dando la sensación de que aparecen en escena sólo para que el discurso de Estawood no parezca retórico.

Si hay que ponerle alguna pega a la película, sería la rapidez de resolución del guión, es decir, si lo que se plantea es un tipo que tiene un profundo odio a los que no son de su raza, y especialmente a los coreanos, además de ser un amargado por naturaleza, lo que resulta un poco chocante es que ese conflicto quede resuelto antes de mitad de película para dedicar el resto al adoctrinamiento. Casi hubiera sido mejor profundizar en la culpabilidad que siente el personaje y desarrollarla a la par que su redención. Además de esto se utiliza a modo de unión de culturas un elemento común, el Gran Torino. ¿Vanal?, ¿patriótico al tratarse de un Ford?, ¿fetichismo?. A primera vista es posible que sea la primera opción, ya que el personaje, antes de la guerra, trabajaba con coches, pero tratándose de quien se trata las dos últimas son buenas opciones. La primera porque queda patente en la película que el sueño americano todavía puede ser posible y la segunda porque para Eastwood sus películas no son sólo eso, son parte de él.

En cuanto a la resolución del film, he de reconocer que Eastwood sigue sin perder su capacidad de sorprender, pero no deja de ser una especie de utopía que, si en nuestro país es casi imposible, en América menos. Puede que, siguiendo con su personalismo, se trate sólo de un anhelo desde la perspectiva de la experiencia. En todo caso, cinta recomendable de un grande del celuloide, que tal vez dice adiós.

Para no variar, como todos los años, pocas sorpresas hubo en la gran noche del cine. Danny Boyle y Penélope Cruz seguro que llegaron a la ceremonia casi con la certeza de que serían los protagonistas de la velada. La misma certeza que debieron tener los actores que competían con Heath Ledger por mejor actor secundario de que iban a perder. Da la sensación de que cada año se molestan menos en disimular que el plato que sirven en la gala ya viene precocinado.

Metiéndome en materia, iré premio por premio según se fue sucediendo la gala.

Mejor actriz secundaria:
A poco de empezar Pé ya recibía su estatuilla. Qué decir de este premio, y qué decir de la película por la que se lo han dado. Seré breve, Woody Allen parece estar en medio de un desierto creativo y Pé simplemente no da para más. En esta ocasión la han premiado por interpretarse a sí misma (chillona y pareja de Javier). Y como buena moda en la que se ha convertido, ya la han nombrado hija predilecta de su humilde barrio de Alcobendas. Apuesto a que el año que viene volverá a estar en la alfombra roja del brazo de Almodóvar con Los abrazos rotos. Yo lo llamo culto a la personalidad.

Mejor guión original:
Mi nombre es Harvy Milk. Confieso que no esperé que se lo llevara la cinta de Gus Van Sant, pero creo que ha sido merecido. Grata sorpresa.

Mejor guión adaptado:
Slumdog Millionaire. Esta categoría entraba dentro de los platos precocinados. Si se llevaba el Óscar por la película, el guión no iba a ser menos.

Mejor dirección artística:
El curioso caso de Benjamin Button. Merecido Óscar, aunque es una lástima que sólo haya triunfado en las categorías más técnicas.

Mejor maquillaje:
El curioso caso de Benjamin Button. Algo indiscutible y justo.

Mejor fotografía:
Slumdog Millionaire. En la meca del cine siempre gusta premiar el contraste, así que era de esperar.

Mejor actor secundario:
Heath Ledger. Ya lo dije y lo vuelvo a repetir, es un Óscar póstumo de lo más merecido. Sus contrincantes ya sabían que se lo llevaría él y estaban tranquilos, pero la prensa estaba muy pendiente de quién se lo recogería (por todo eso de la batalla legal que se traen sus padres con su ex mujer y con su hija de por medio). Así que, una vez más, el show era más importante que el verdadero reconocimiento. Reconocimiento que, por cierto, y desgraciadamente no obtuvo El caballero oscuro.

Mejores efectos visuales:
El curioso caso de Benjamin Button. David Fincher trabajó mucho para que fueran los mejores y así lo han sido. Además también hubo representación española en este apartado, porque algunos efectos visuales han sido creados por una compañía de nuestro país. Aquí se puede corroborar que vende más la imagen (Pé) que la calidad (los desconocidos técnicos españoles).

Mejor montaje:
Slumdog Millionaire. En esta categoría reconozco que me llevé una sorpresa porque esperaba que se lo llevara la película de Fincher. Claro que hay que tener en cuenta que, en una época en la que hay más premios de música que de cine, es esperable que a los jueces, influidos por los montajes cuasi cinematográficos de los videoclips, les vaya más ese estilo plasmado en la cinta de Boyle que el más clásico (sí, me reafirmo en eso), de Fincher. Aquí se podría abrir otro debate: ¿el cine ha influido en la industria del videoclip o viceversa?

Mejor banda sonora y mejor canción original:
Slumdog Millionaire. Otra vez estaba claro. Bollywood en Hollywood, para qué más. La película de Boyle resultó ser como el nuevo de la clase. A todos les entra curiosidad y todas las miradas y atenciones están puestas en él.

Mejor actriz:
Kate Winslet. Otra que está de moda estos días por tierras americanas y no se podía ir con las manos vacías. Meryl Streep se queda un año más sin su merecido premio en detrimento de lo que se lleva ese momento. Aunque he de decir que en esta ocasión Winslet también se lo merecía. Una pena que sus agradecimientos siempre resulten excesivamente sobreactuados.

Mejor actor:
Sean Pean. Lo es, pero no en Mi nombre es Harvy Milk. Este actor me ha convencido en la mayoría de sus papeles, pero en esta ocasión estuve pensando durante toda la película que algo no me cuadraba con él.

Mejor director y mejor película:
Slumdog Millionaire. Por casi se van de pleno. De 10 nominaciones se llevaron 8 estatuillas. Reitero que con esta película ha pasado como con el recién llegado. La máxima atención, se la merezca o no. Resulta que la cinta iba a ir directamente para vídeo, pero las cosas cambian. Aunque no estoy del todo disconforme con los premios que se ha llevado, sí he de decir que resulta curiosa la dualidad y el cinismo americano, es decir, se premia en una gala que derrocha dinero y lujo a una película que refleja la máxima pobreza. Me sigo preguntando por qué el ser humano mira a sus semejantes menos afortunados como unos perritos desvalidos y siente la necesidad de darles un caramelito temporal. En el caso del cine, la respuesta está en el producto final de la publicidad y el marketing: el dinero.

Por cierto, ojito con Amenábar y su próxima Ágora, enfilando como Pé, hacia Hollywood. Veremos qué pasa el año que viene.

Imagen | ElMundo.es

La gala de los Oscar se puede considerar como uno de los momentos más frívolos de la industria del cine. Se supone que es una gala para premiar a los mejores, aunque de todos es sabido que los tejemanejes son los actores principales año tras año. Oscar por películas infumables a actores que llevan toda su vida nominados y a los que parece que se les debe algo, Oscar a la tercera parte de alguna trilogía, aunque la que se los merezca sea la primera, pero que se entregan de sopetón como un reconocimiento de última hora, Oscar a actores de color sólo para gritar al mundo “aquí no somos racistas”, sin mencionar los Oscar póstumos a actores que se marcharon pronto, a veces merecidos, otras veces simple marketing. Aún así, algunas veces los intereses de algunos coinciden merecidamente con los premiados. Este año tenemos un poco de todo, incluso a Penélope Cruz nominada como mejor actriz secundaria. ¿Será porque Pedro y Javier ya tienen sus premios y los americanos no quieren dos sin tres? Veremos. A pocas horas de que se entreguen los Oscar, ahí van mis apuestas:

• Mejor película: Slumdog Millionaire aunque creo que lo merece más El curioso caso de Benjamin Button.
• Mejor director: David Fincher por El curioso caso de Benjamin Button, pero le terminará cayendo a Danny Boyle.
• Mejor actor protagonista: Mickey Rourke por The Wrestler, aunque lo merezca más Frank Langella por Frost contra Nixon.
• Mejor actriz protagonista: Meryl Streep por La Duda. Es una a la que se lo deben.
• Mejor actor secundario: Sin duda, y en esta ocasión sería un muy merecible Oscar póstumo, Heath Ledger por su fantástico Jocker en El caballero Oscuro.
• Mejor actriz secundaria: Probablemente le caiga a Penélope Cruz por Vicky Cristina Barcelona, aunque ni ella ni la película aporten demasiado al celuloide.
• Mejor guión original: Martin McDonagh por Escondidos en Brujas.
• Mejor guión adaptado: Simon Beaufoy por Slumdog Millionaire.
• Mejor fotografía: Slumdog Millionaire.
• Mejor montaje: El curioso caso de Benjamin Button.
• Mejor dirección artística: Revolutionary Road.
• Mejor banda sonora: Slumdog Millionaire.
• Mejor maquillaje: El curioso caso de Benjamin Button.

Imagen | The Daily North Western

Sólo me hizo falta un minuto cuarenta y seis segundos de trailer en inglés de El curioso caso de Benjamín Button para adivinar dos cosas: que sería una película larga y que sería una de las mejores películas de este año. Aquel trailer anunciaba, con una música en primer plano, la imagen inicial de un reloj que va hacia atrás y sólo dos frases, que nos iban a contar la historia de un hombre nacido en extrañas circunstancias, con una apariencia de unos 80 años y los achaques propios de esa edad, que va rejuveneciendo con el paso del tiempo, mientras que la gente de su alrededor, incluido su gran amor, siguen el ciclo natural de la vida. Los 167 minutos de metraje comienzan en Nueva Orleáns en 1918 y terminan en pleno huracán Katrina. Como telón de fondo la historia de América y Europa en pleno siglo XX como parte de las vidas de Brad Pitt y Cate Blanchett. Y todo ello narrado por boca de una anciana moribunda y la lectura de un diario.

Conocida es la fama de su director, David Fincher, de perfeccionista e inconformista, y con esta cinta no iba a ser menos. En una publicación cinematográfica Fincher afirmaba no estar del todo contento con el resultado de la película, a pesar de haber repetido hasta la saciedad cada una de las escenas y a pesar de haber construido un relato audiovisual prácticamente perfecto. Ese “prácticamente” es traducible para algunos como que se trata de una película demasiado larga y para otros que se aleja del relato original de F. Scott Fitzgerald. De lo primero diré que para gustos los colores, y de lo segundo que no es la primera vez ni la última que algo así sucede en la meca del cine, pero, a diferencia de otros casos, Fincher logra condensar y hacer suya una historia universal.

Algo sí es cierto, El curioso caso de Benjamin Button no lleva el único sello Fincher, también lleva el sello del cine clásico, con miles de detalles, colores, y montaje, además de muchas escenas para recordar, como la de Tilda Swinton en el ascensor, la de Brad Pitt a lo James Dean sobre una moto o con Blanchett tirados en una playa mientras les cubre la arena y las olas, o la de ésta bailando para Pitt a contra luz. Lo clásico y lo moderno se dan la mano en un relato que cada espectador puede convertir en suyo porque narra la vida de un ser humano: nacer, vivir, morir.

En cuanto a las actuaciones, en esta ocasión no se puede hablar de actores principales y secundarios, al menos no a nivel interpretativo, ya que todos y cada uno de ellos ponen su brillante granito de arena para construir una duna perfecta.

Sólo se echa en falta una cosa, que la idea que se plantea al principio de la película, sobre desear la posibilidad de que el tiempo transcurra hacia atrás para poder, en algunos casos recuperar a los seres queridos, y en otros, cambiar lo que hicimos en el pasado, se diluya, dando más peso a las historias de amor. Al fin y al cabo se trata de una película, aun que no tan usual, bastante comercial. Pero hay tanto que destacar de esta cinta, además de lo obvio (el maquillaje mitad real mitad digital), que lo mejor que puedo hacer es recomendaros que vayáis a verla y luego nos tomemos un café.

Dicen que detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer, pero en el caso de Guy Ritchie, con RocknRolla acaba de confirmar que lo último que necesita detrás de él es una mujer como su ex, Madonna, para hacer buen cine. Los fans de Ritchie, después de Lock and Stock y Snatch se debieron sentir muy defraudados con productos como Barridos por la marea o Revólver (película que ya tiene algún añito, y a punto de estrenarse en España). Pero con el abandono conyugal de Madonna, la musa ha regresado a Ritchie.

RocknRolla cuenta la historia de dos delincuentes chapuceros (Gerard Butler e Idris Elba), que, debido a un trapicheo inmobiliario que sale mal, terminan debiéndole dinero al mandamás del hampa londinense (Tom Wilkinson). Para pagarle, aceptan un trabajo que les propone una sexy contable (Thandie Newton), que trabaja para unos mafiosos rusos, que a su vez son clientes de Wilkinson. Y en medio de todo esto, una estrella de rock es la clave.

Se trata de la típica película coral, como ya vimos en Snatch, aunque en esta ocasión con algo más de confusión y menos tirón que aquella. Aún así asistimos al renacimiento y vuelta a los grandes orígenes de Ritchie. En esta ocasión la película se plantea como el inicio de una trilogía, que dependerá de su aceptación. Los comentarios ingeniosos, las escenas surrealistas y su tendencia al estilo videoclip y los encuadres rebuscados vuelven a ser los pilares sobre los que se sostiene el film, lo que hace que corra el peligro de convertirse en un producto más de la factoría Ritchie (perdonable por el buen resultado y las ganas que teníamos de ver de vuelta al director).

En cuanto a las interpretaciones, son dos secundarios, Mark Strong y Tobby Kebbell, (además de la estupenda música) los que le dan una mayor chispa al largometraje, mientras que sus “supuestos” protagonistas, Gerard Butler y Thandie Newton, están mejor repartiendo tundas entre los espartanos y posando para un calendario de Larios respectivamente.

Buena música, humor inteligente, una trama que, aunque algo confusa, implica al espectador… En resumen, una más que aceptable y recomendable vuelta al camino de Guy Ritchie, en el que más de uno, incluyéndome, había dejado de creer.

Así es Gomorra. Cinco historias encerradas en un mismo barrio italiano de extrarradio, la de un chaval de doce años que intenta demostrar que ya es un hombre para meterse en el negocio, la de un empresario acompañado de su inteligente y prometedor secuaz, que se dedican, bajo encargo de la Camorra, a desaparecer los residuos tóxicos, la de un hombre que lleva las pensiones a los jubilados, viudas y familiares de camorristas encarcelados, la de dos chicos obsesionados por el lado más romántico de la mafia y seguros de poder llegar a ser los próximos Al Capone y la de un sastre que fabrica en negro la alta costura italiana. Cinco puntos de vista con una cosa en común: la absoluta dependencia, para bien y para mal, de la todopoderosa Camorra.

Contando con una materia prima tan valiente y excelente como la que ofrece Saviano, sorprende ver cómo el director de la cinta, Matteo Garrone, buscando un tono a caballo entre el cine al uso y el documental, sólo consigue aburrir. Sus constantes movimientos de cámara y primeros planos terminan cansando y las frías actuaciones de los actores no consiguen crear ningún tipo de empatía con el espectador. Pero además de esto, debido al convencimiento que ha de tener el director de que todo el mundo conoce a la perfección la situación italiana, pasa un buen rato hasta que el espectador comienza a ubicarse y las cinco historias empiezan a cobrar un sentido, propiciando en la sala de cine más de un movimiento en la butaca y algún que otro abandono.

Tal vez en Cannes se premie la historia más trágica, a pesar de cualquier otro aspecto, pero, en mi modesta opinión, una buena película no tiene por qué ser la que cuenta la historia más penosa, sino la que es capaz de llegar al espectador, la que combina un buen guión (como es este caso), con una buena dirección y unas buenas interpretaciones, consiguiendo crear una atmósfera en la que la persona que está en su asiento se siente integrada. Y Gomorra, la película, es un ejemplo de cómo convertir una historia (o mejor dicho cinco) interesante, arriesgada, novedosa y, sobre todo, real en dos largas e interminables horas de neorrealismo cinematográfico que hacen desear sólo haber leído el libro.

Me pregunto si el Grand Prix de Cannes iba dirigido a Saviano en vez de a Garrone. Lamentablemente en esta ocasión me tengo que unir al desencanto que mencioné al principio del artículo.

¿A que esto ya suena? Salvando las diferencias, que pasan en primer lugar por la temática central, se me viene a la mente Juego de Espías (del hermano de Scott, Tony), Syriana, El señor de la guerra, la trilogía Bourne e incluso Diamante de Sangre (también con DiCaprio), y esto a bote pronto y sin ir más lejos en el tiempo.

No hay nada que reprochar ni a la dirección, ni a las actuaciones, que llevan el peso de la película. Pero sí al guión, que, entre la marabunta de nombres árabes, y algún que otro embrollo, mantiene al espectador recolocándose mentalmente cada media hora, y sí a la cortina de humo que Scott fabrica para vender un producto que vemos constantemente en el cine, además de todos los días en el telediario, como algo nuevo.
Simplemente se trata de una película técnicamente correcta, a momentos entretenida, y a veces incorrectamente política (eso sí se agradece), que deja entrever que su director, o está cansado de hacer películas, o está sacando provecho de su posición acomodada en Hollywood, o está dejando a merced del destino su título de mito cinematográfico, lo cuál espero que no sea así, y menos después de su inmediatamente anterior y brillante American Gangster.

Habrá que esperar al siguiente proyecto de Scott (según dicen, será la adaptación de la novela del inglés Aldous Huxley, Un mundo feliz, que no es moco de pavo), para ver por dónde van los tiros. Por ahora su declaración de intenciones (y ambiciones) van en la dirección de Blade Runner.

Pero retomando la película que me ocupa, una última y, reconozco, banal reflexión ¿los maquilladores habrán visto alguna similitud entre el personaje de Crow para El dilema y el de este film?